In der Nacht wurden in Los Angeles die Emmys verliehen. Nominiert waren diverse Angehörige der Star-Wars-Familie, und für einige endete die Nacht tatsächlich mit einer goldenen Trophäe:

• Donald Glover war als bester Schauspieler (Komödie) für Atlanta nominiert und konnte sich gegen Mitbewerber wie Zach Galifianakis und Jeffrey Tambor durchsetzen. Gratulation!
• Als beste Schauspieler in einer limitierten Serie waren Riz Ahmed für The Night Of und Ewan McGregor für Fargo nominiert. Der Emmy ging an den Rogue-One-Piloten! Herzlichen Glückwunsch!
• In der Kategorie Bester Nebendarsteller in einer Dramaserie ging Radio-Drama-Sprecher John Lithgow für The Crown ins Rennen. Der Hörspiel-Yoda konnte sich gegen starke Konkurrenz wie Michael Kelly (House of Cards), Jonathan Banks (Better Call Saul) oder auch Jeffrey Wright (Westworld) behaupten. Wir gratulieren!
• Mit Star Wars: Die letzten Jedi wird Laura Dern ins Star-Wars-Universum aufgenommen, bei den Emmys war sie als beste Nebendarstellerin in einer limitierten Serie oder einem Film für Big Little Lies nominiert. Und setzte sich gegen Konkurrenz wie Michelle Pfeiffer (The Wizard of Lies), Regina King (American Crime) und ihre Big-Little-Lies-Kollegin Shailene Woodley durch. Gratulation!
• Nicht nur als Darsteller, sondern auch als Regisseur ging Donald Glover ins Emmy-Rennen: Für Atlanta war er als Bester Regisseur einer Comedyserie nominiert und gewann auch diesen Emmy! Doppelter Glückwunsch!
• Aber es kann nicht immer klappen: Han-Solo-Regisseur Ron Howard war in der Kategorie Beste Regie einer limitierten Serie, eines Films oder Drama-Specials für Genius nominiert. Er unterlag Big-Little-Lies-Regisseur Jean-Marc Vallée.
• Die dritte Nominierung für Donald Glover gab es in der Kategorie Bestes Drehbuch für eine Comedyserie. Mit seinem Bruder Stephen ging er, natürlich, für Atlanta ins Rennen. Hier aber hatten am Ende Master-of-None-Autoren Aziz Ansari und Lena Waithe die Nase vorn.
• Auch Riz Ahmed war mehrfach nominiert: In der Kategorie Bester Gastdarsteller in einer Comedyserie unterlag er mit seiner Rolle in Girls — All I Ever Wanted Dave Chappelle, der für seinen Auftritt bei Saturday Night Live ausgezeichnet wurde.
• Und wir bleiben bei Rogue One: Ben Mendelsohn war als bester Gastdarsteller in einer Dramaserie für Bloodline — Part 32 nominiert. Er unterlag Gerald McRaney für This Is Us.
• Posthum war Carrie Fisher als beste Gastdarstellerin in einer Comedyserie, Catastrophe — Episode 6 nämlich, für den Emmy nominiert. Gewonnen hat diesen Emmy aber Melissa McCarthy für ihre Sean-Spicer-Auftritte bei Saturday Night Live.
• Auftritt für die Klonarmee: Dee Bradley Baker war als Sprecher in American Dad! nominiert, doch der Preis ging an Seth MacFarlane für seine zahlreichen Rollen in Family Guy.
• Als bester Schauspieler in einer Kurzcomedy- oder -dramaserie ging Alan Tudyk für Comic Man ins Rennen. Er unterlag Kim Estes für Dicks.
• Ewan McGregor war als Sprecher der Doku Wild Scotland als bester Erzähler nominiert und unterlag Meryl Streep für Five Came Back.
• Die Star Wars Show war als beste Kurz-Variety-Serie und unterlag dem Pausenfüller der Daily Show.
• Über eine Nominierung als beste Kindersendung konnte sich Star Wars Rebels. Der Emmy ging jedoch an das Weihnachtsspecial der US-Sesamstraße.
• Und last but not least: In der Kategorie Beste Dokumentation waren Alexis Bloom, Fisher Stevens, Sheila Nevins, Brett Ratner und Nancy Abraham für Bright Lights: Carrie Fisher and Debbie Reynolds nominiert. Hier gewann stattdessen die ESPN-Dokumentation O.J.: Made in America von Ezra Edelman.

Die komplette Liste aller Sieger und Zweitplatzierten findet ihr auf Emmys.com.

Die GQ hat ein wirklich absolut unterhaltsames und tolles Interview mit Harrison Ford veröffentlicht, das ihr euch auf jeden Fall in voller Länge zu Gemüte führen solltet.
Natürlich wird darin auch über Star Wars, über Lucas' Pläne für Han Solo in seiner Version der Sequel-Trilogie, über die Chance auf einen weiteren Auftritt als Han Solo und über Carrie Fisher...

Am wenigsten gerechnet haben dürfte man mit Fords Rückkehr in die Welt von Star Wars. "Ich war überrascht", gibt er zu. Der erste Anruf kam von George Lucas. "Es war geplant, dass ich einen weiteren Auftritt als Han Solo machen könnte. Und ich glaube es wurde auch direkt im ersten Anruf erwähnt, dass er es nicht überleben würde. Davon rede ich schon eine ganze Weile" - Ford hat bereits 1983 versucht, Solo in Die Rückkehr der Jedi-Ritter sterben zu lassen - "also sagte ich zu."

War das eine Grundvoraussetzung, damit Sie zusagten?

"Nicht wirklich. Aber es war eine interessante Entwicklung meiner Figur."

Dieses Jahr nahm Ford an seinem ersten "Star Wars Celebration"-Fan-Event teil, um das 40-jährige Jubiläum des Films zu feiern. "Ich wurde gebeten, dort aufzutreten, also tat ich das", sagt er, als ob er nur auf eine Einladung gewartet habe. Er trat auf einem Panel zusammen mit Lucas auf und ich war überrascht zu sehen, dass er auch ihm direkt gegenüber seine Kritik über die hölzernen Dialoge auspackte: "Diesen Mist kannst du schreiben, aber nicht sagen."

Fühlte Lucas sich davon nicht angegriffen?

Ford lacht, als wäre ihm dieser Gedanke nie gekommen. "Ich glaube nicht. Er hat die Firma für 4 Millarden Dollar verkauft. Es schert ihn einen Scheiß, was ich denke." Ford erinnert sich an das erste mal, dass er seine Meinung am Star-Wars-Set kundtat. "George sitzt normalerweise in der Nähe eines Bildschirms, weit weg, also musste ich meinen Eindruck... oder meine Gefühle... über den Dialog über große Distanz übertragen. Also schrie ich es hinaus. 'George! Diesen Mist kannst du schreiben, aber nicht sagen! Beweg deinen Mund, wenn du schreibst!' Zu der Zeit war es aber nur ein Witz. Ein stressabbauender Scherz."

[...]Wenn es um Star Wars geht, da es ja Science-Fiction ist, sind Sie wirklich richtig, unumkehrbar...

"Tot?"

...fertig mit Star Wars?

"Hm, ich würde sagen, ich bin fertig mit Star Wars, wenn Star Wars fertig mit mir ist."

Und wenn Star Wars noch nicht fertig mit Ihnen ist?

"Ich kann es mir nicht vorstellen. Aber gut, es ist Science-Fiction."

Er hält kurz inne und überlegt, was er gerade gesagt hat und realisiert dabei vielleicht, dass er die Tür etwas offener gelassen hat, als er es beabsichtigte.


[...]Es gibt Unterhaltungen, die Harrison Ford nicht so gerne führt. Und dann gibt es welche, die er am liebsten gar nicht führen möchte. Letztes Jahr hat Carrie Fisher ihre Memoiren basierend auf den Tagebüchern veröffentlicht, die Sie während der Dreharbeiten des ersten Star-Wars-Films geführt hat. Darin enthüllt und beschreibt sie sehr detailliert die Affäre, die sie mit Ford im Alter von 19 Jahren hatte.

Wie seltsam war es für Sie, als Carrie Fisher ihr Star-Wars-Buch veröffentlichte?

"Es war seltsam. Für mich."

Gab es irgendeine Vorwarnung?

"Mh, bis zu einem gewissen Grad. Ja."

Und was haben Sie gedacht?

"Oh, ich weiß nicht. Ich weiß nicht. Wissen Sie, nach Carries verfrühtem Tod finde ich, dass dies kein Thema ist, über das ich reden möchte."

Kann ich Sie fragen, ob Sie es bevorzugt hätten, wenn darüber nicht geschrieben worden wäre?

"Ja, Sie können mich fragen."

Möchten Sie antworten?

"Nein."

Kann ich Sie fragen, ob Sie es gelesen haben?

"Nein, hab ich nicht."

Zu seinem Einsatz als Komponist der Filmmusik zum Han-Solo-Film hat sich John Powell bislang zwar nur mit einem Smiley auf Facebook und einem unkommentierten Repost auf Instagram geäußert, aber in einem Interview mit Den of Geek Anfang des Monats kam auch Star Wars kurz zur Sprache. In erster Linie mag es jedoch als Einblick in seine Arbeitsweise und Musik dienen:

Gibt es einen Film, dessen Musik Sie dazu inspiriert hat, Filmkomponist zu werden?

Ich habe mich das selbst schon oft gefragt und wurde auch von anderen Leuten darauf angesprochen. Meine Beziehung zum Kino ist allerdings nicht sonderlich kinogeprägt: Ich bin in einer Kleinstadt in England aufgewachsen, wo es kein besonders tolles Kino gab. Ich erinnere mich bewusst nur, dort als Kind einen Film gesehen zu haben, nämlich das Dschungelbuch, aber zweifellos muss ich damals mehr Filme mitgenommen haben, wenn auch nicht in einer angemessenen Umgebung. Die ersten Star-Wars-Filme habe ich nie im Kino gesehen.

Generell war ich mehr der TV-Typ und habe dort, glaubt man das, ständig Kriegsfilme gesehen. Einer meiner Lieblingsfilme war Gesprengte Ketten, und ich weiß noch, wie mitreißend ich seine Musik fand. Nicht nur das Hauptmotiv, das als Parodie des Brücke-am-Kwai-Marschs angelegt war, sondern auch anderes Zeug, das stark vom Schillinger-System beeinflusst war, das wir [an der Musikuniversität] Berklee auf dem Lehrplan hatten. Interessante, amerikanische Harmonien wie bei der Verfolgungsjagd, wenn Steve McQueen mit dem Motorrad über den Zaun springt. Diese oktatonische Musik. Der Stil der amerikanischen Musik des frühen 20. Jahrhunderts gefällt mir sehr, Musik wie die von Aaron Copland. Es gibt dort diese klassische Raffinesse, aber es steckt viel Kraft dahinter.

Zur gleichen Zeit habe ich damals West Side Story gesehen, und dabei handelt es sich natürlich nicht um Filmmusik, aber ich habe Elmer und Leonard Bernstein damals oft miteinander verwechselt. Ich weiß noch, wie ich West Side Story sah und dachte, dass Filmmusik genau so funktionieren sollte. Das hat mir über die Jahre sicherlich einige Schereien eingebrockt, denn in diesem Film ist die Musik ja die Geschichte. Es ist eine opernhafte Herangehensweise.

Andererseits habe ich an Filmen wie Die glorreichen Sieben und Gesprengte Ketten gelernt, wie wichtig Musik für das Erzählen einer Geschichte ist. Daneben habe ich diverse Zeichentrickserien gesehen, Tom und Jerry, Scooby Doo und ähnliches. Ich bin quasi mit den Tom-und-Jerry-Kurzfilmen großgeworden, die für ihre Gags im Handumdrehen zwischen atonaler Musik zu lateinamerikanischen Klängen zu einem Rumba oder kubanischer Musik wechselten. Das war schon reichlich verwirrend.

Gleichzeitig habe ich mich dann mehr für klassische Musik interessiert, und wenn man das alles miteinander mischt und aufkocht und durchrührt, dann landet man bei meiner Filmmusik.

Sie sind zur gleichen Zeit in Hollywood aufgeschlagen, wie Hans Zimmers Studio Remote Control Productions, das damals noch als Media Ventures bekannt war. Wie haben Sie dort einen Fuß in die Tür bekommen?

Hans arbeitete damals in London bei der gleichen Musikproduktionsfirma wie ich und schrieb Musik für Air Edel. Also technisch gesehen, hatte er dort schon aufgehört, als ich dort anfing, aber er hatte nach wie vor gute Kontakte ins Unternehmen.

Sie haben mich als einen ihrer 20 Komponisten eingestellt, und binnen einiger Jahre war ich zu dem Typen geworden, der all sein Geld in Ausrüstung investiert. Es gab dort Komponisten, die sehr gut mit Werbemusik klarkamen, aber ich war derjenige, der am meisten auf technische Mittel setzte und das auf eine Weise, die niemand sonst dort interessierte. Als Hans also zurückkam und für ein Projekt Hilfe brauchte, wurde mein Name genannt, weil ich derjenige war, der viele Sampler am Start hatte.

Zum ersten Mal begegnet bin ich ihm bei Air Edel. Er mochte mich, gab mir mehr Geräusche und Sampler, um ihn zu unterstützen. Letztlich arbeitete ich für einen anderen Komponisten, der für ihn als Ghostwriter arbeitete. Wir stellten unsere Demo vor – heutzutage eine völlig normale Sache, aber damals gab es das nur bei Hans –, und nachdem ich aus dieser Erfahrung gelernt hatte, ging es mit meiner Karriere aufwärts.

Ich habe sehr viel von damals mitgenommen: Ich demo-e absolut alles. Das gibt mir die Kontrolle über meine Arbeit, es erlaubt mir, meine Musik so aufzubauen, wie ich das will. Natürlich schränkt es einen ein und man hat sehr mit diversen Stolperfallen zu kämpfen, aber ich glaube, ich hätte meine Karriere in ihrer jetzigen Form nie haben können, hätte ich die Methode, die Hans wegweisend eingeführt hat, nicht angewendet.

Danach haben Sie für John Woo Im Körper des Feindes gemacht, ein riesiges Projekt. Hat Sie dieses Projekt nachhaltig beeinflusst?

Der Auftrag kam über Media Ventures zu mir, und sie wollten eigentlich Hans haben, niemand anderen. Es musste Hans sein. Er hatte bei Operation - Broken Arrow mit John Woo zusammengearbeitet, der das wiederholen wollte, aber Hans hatte keine Zeit. Ich hatte damals mit ihm zusammengearbeitet, und er mochte mich. Er gab quasi eine Garantie für mich ab und sagte, lasst den Jungen mal ein paar Motive für euch entwickeln. Auf Grundlage von jeder Menge Filmmaterial habe ich das dann zwei Wochen lang gemacht, und an einem Freitagnachmittag spielte ich die Musik für den Schnitttechniker, die Produzenten und John Woo persönlich.

Ich stellte ihnen diese Demos vor, und der Cutter fragte, ob ich die Musik tatsächlich geschrieben hätte, oder ob es nicht doch Hans war. Der hatte mir zwar viele gute Ratschläge gegeben, aber die Musik war von mir. Und so erklärten sie sich einverstanden, solange Hans die Produktion übernahm. Ich glaube, er hatte diese Herangehensweise von Stanley Myers übernommen, dieses „lasst die Jungen mal versuchen, etwas zu komponieren”. Er ist ein sehr guter Lehrer, bzw. er wäre es geworden, wenn er nicht selbst Komponist geworden wäre.

Daraus habe ich also viel gelernt. Und an der Arbeit am Rest des Films war er natürlich auch beteiligt, um sicherzustellen, dass ich es nicht vermassele. Technisch und emotional habe ich viel gelernt. Und ich habe gelernt, dass ich praktisch für ihn einsprang und entsprechend nicht zu weit von seinem Stil abweichen sollte. Damals wollten sie, dass alles von Media Ventures einen ähnlichen Klang hat, d.h. wenn man einen dieser Aufträge ergattert, fragt man: Wollt ihr mich oder wollt ihr Hans? Am Anfang war es immer so, dass sie Hans wollten, ihn aber nicht kriegen konnten und deshalb jemanden suchten, der praktisch genauso klang.

Und wir hatten alle die gleiche Ausrüstung, die gleichen Geräusche, die gleichen Master und die Vorgabe, nicht dahin zu gehen, sondern dorthin. Wir klangen deshalb alle mehr oder weniger wie er. Irgendwann wird das natürlich zu einer wirtschaftlichen Frage, weil man irgendwann sagt, nein, ich möchte das nicht machen. Ich habe meine eigene Stimme und die wird für euch funktionieren. Und wenn dem wirklich so ist, ist es toll. Wenn nicht, wird man wegen sowas vermutlich gefeuert werden. Bei seinem ersten Auftrag ist man also noch allzu bereit, sich darauf einzulassen, aber ich finde, selbst aus Im Körper des Feindes bin ich ein Stück weit herauszuhören.

Es war mir aber natürlich schon klar, dass ich für einen bestimmten Sound ausgewählt worden war. Heute würde man mich auf Grundlage eines atonalen Soundtracks nicht für einen animierten Film auswählen. Dafür hätten sie gar keinen Bedarf. Man wird ausgewählt, um die Musik zu machen, die passt. Bei der Bourne-Identität habe ich darauf reagiert und genau das Gegenteil von dem gemacht, was ich beim Media Ventures getan hätte.

Bei Bourne klingt generell alles genau anders. Doug Liman hat mich damals eingestellt, ohne überhaupt zu wissen, dass ich mit Hans zu tun hatte. Er hatte ein Demoband gehört, das ihm gefiel, holte mich zu sich, und ich schrieb einige weitere Demos für ihn. Die gefielen ihm, und aus unseren Gesprächen wurde klar, dass er etwas anderes haben wollte. Und ich war damals mehr als nur bereit, anders zu klingen, als irgendwer das erwarten würde.

Damals haben Sie Carter Burwell ersetzt, der nicht liefern konnte, was die Filmemacher haben wollten. Dann kamen Sie und haben etwas Revolutionäres gemacht.

Es ist leicht, das in der Rückschau so zu sehen, aber man muss wissen, dass Doug damals einen Film machen wollte, der in jeder Beziehung ein Anti-Bond war. Es war ein problematischer Film, und er brachte Carter ins Spiel. Ich liebe seiner Musik, aber ich glaube, er konnte die Sache nicht so weit ausreizen, wie Doug es brauchte. Und ich glaube, sie wussten selbst noch nicht ganz, wie der Film insgesamt sein sollte.

Zwischen dem Ende der Hauptdreharbeiten und Carters Beteiligung einerseits und mir andererseits lag ein Jahr. Es gab eine Menge Nachdrehs, und es sei einmal dahingestellt, ob Carter nur eine andere Art von Musik vorschwebte, oder er einfach keine Zeit mehr hatte. Ich jedenfalls hatte einfach großes Glück und ging an das Projekt mit dem Ziel heran, für mich etwas Neues auszuprobieren, was zufälligerweise genau das war, was Doug haben wollte. Ich hatte einfach Glück.

Sie haben früh in Ihrer Karriere an Endurance gearbeitet, einem sehr emotionalen Soundtrack. Wie schwierig ist es, emotionale Musik zu schreiben, ohne sich dabei zu verkünsteln?

Das ist wirklich schwierig. Endurance habe ich noch vor Im Körper des Feindes gemacht, produziert wurde der Film von Terrence Malick. Ich kannte weder ihn, noch den Film. Er und Hans wollten Endurance und Der schmale Grat zusammen machen, aber Hans hatte andere Dinge auf dem Tisch und lud mich zu einer Besprechung mit Terry ein. Der kommt also rein, kennt mich nicht und stellt sich als unglaublich poetische Figur heraus. Er behandelte mich wie einen Künstler.

Ich ging mit viel Energie aus diesem Gespräch heraus, arbeitete das Wochenende durch und schrieb praktisch die halbe Partitur. Am Montag gab es einen weiteren Abgleich mit Terry, und Hans meinte zu mir, „bitte sag mir, dass Du etwas hast, denn ich habe nichts”. Er hatte nichts vorbereitet, und ich stellte vor, was ich hatte. Und dann legte er eine Verkäufernummer hin, die Fred-Astaire-Niveau hatte. Terry war sehr zufrieden, wir nahmen die halbe Musik direkt auf, sie drehten noch mehr Material, ich arbeitete mit John Woo, und danach kam ich zurück und beendete das Projekt.

Was das Verkünsteln angeht, so ist das immer schwer. Was ich bei dem Film bereut habe, ist, dass am Ende noch ein Stück des Temp-Soundtracks von einem klassischen Komponisten mit dabei war. Terry hatte es auf den letzten Metern hineingenommen. Bei Der schmale Grat hatte Hans unglaublich hart gearbeitet, um alle temporären Tracks zu ersetzen, und dort war letztlich nur ein kleines Stück im fertigen Film.

Generell war Terry für mich sehr wichtig, weil er mir dabei half zu verstehen, wie Filme funktionieren können. Es war einfach beruhigend zu wissen, dass es Leute gab, die nicht einfach den üblichen Schmalz haben wollten. Was Hollywood normalerweise für solche Filme haben will, hat ihn überhaupt nicht interessiert.

Ich war da gerade von der Uni gekommen, wo ich Komponieren gelernt hatte, und mich interessierten alle möglichen Arten von Musik, wenn auch nicht unbedingt von Filmmusik. In Filme bin ich eigentlich nur hineingefallen. Ursprünglich hatte ich mit Werbung angefangen, um meine Rechnungen zahlen zu können, und von dort bin ich weitergegangen. Ich habe Musik für Kunstinstallationen, Theater usw. gemacht. Filmmusik war da eher Nebensache, weil ich mich mehr fürs Komponieren und die Albenproduktion interessierte. Dann hatte ich zum ersten Mal mit einem Film zu tun, und der erste Mensch, den ich dabei traf, war unglaublich offen. Terry hat in mir den Glauben geweckt, dass es eine Möglichkeit gab, weniger hollywoodartig zu sein. Es gab für mich einfach nicht nur diese eine Art, einen emotionalen Kontext zu schaffen.

Sie haben sich mehrfach mit animierten Filmen beschäftigt. Ende der 90er und Anfang der 2000er haben Sie dabei wiederholt – bei Antz, Chicken Run – Hennen rennen und Shrek – Der tollkühne Held – mit Harry Gregson-Williams zusammengearbeitet. Was hat diese Zusammenarbeit für Sie so erfolgreich gemacht?

Ich bin Harry zum ersten Mal begegnet, als ich Hans half, der gerade mit Der Prinz von Ägypten beschäftigt war. Ich war dort an der Song-Produktion beteiligt, mit der Filmmusik hatte ich weniger zu tun. Na ja, ich habe es versucht und bin gescheitert. Hans hat mich also auf die Songs angesetzt. [lacht] Aber ich glaube, Jeffrey Katzenberg hat Harry und mich bei der Arbeit an diesem Film kennen- und schätzengelernt. Als er dann Antz machte, wollte er Hans haben, der wieder keine Zeit hatte. Hans hat wohl Leute außerhalb von Media Ventures ins Gespräch gebracht, Craig Armstrong und Marius de Vries, wenn ich das richtig weiß. Er fand sie cool, weil sie z.B. Romeo & Julia gemacht hatten. Jeffrey antwortete dann wohl, wie wäre es mit John und Harry?

Wir wurden also einbestellt und produzierten ein paar Demos, die DreamWorks gefielen. Letztlich war es also Jeffrey, der uns zusammenbrachte. Wir waren ganz unterschiedliche Typen mit unterschiedlichen Denkweisen und Egos. Es war interessant, mit Harry zu arbeiten, weil Hans uns gewissermaßen gegeneinander ins Rennen schickte. Er rief mich in Harrys Zimmer und ließ mich etwas absolut Geniales anhören, und ich ging raus und dachte immer nur, dass ich mich echt steigern muss. Wir haben sowohl mit-, als auch gegeneinander sehr hart gearbeitet. Auch bei Chicken Run hat das wirklich gut funktioniert.

Ironie der Geschichte ist, dass ich England verlassen hatte, weil ich keine Film-Jobs bekommen konnte und nie geglaubt hatte, mal an einem Projekt von Nick Park für Aardman arbeiten zu können. Ich liebte seine Filme und die Musik darin, also war ich besonders überrascht, dass wir Chicken Run machen würden. Wir haben beide hart an dem Film gearbeitet.

Täuscht der Eindruck oder ist es wirklich besonders schwierig, lustige Musik zu schreiben, die sich nicht aufdrängt?

Oh ja, absolut. Ich bin gerade mit Ferdinand: Geht STIERisch ab! beschäftigt und versuche genau diese Balance zu finden. Ich habe gegenüber den Regisseuren immer mal wieder den Witz gebracht, welche Nummer von Carl Stalling sie gerade haben wollen, also wie irre das Ganze gerade klingen soll. Bei einigen Ice-Age-Teilen bin ich bis zur Spitze der Skala gegangen, und ich hoffe, die Musik hat funktioniert. Am unteren Ende der Skala findet sich dann so etwas wie Thomas Newmans Findet Nemo, der genau diesen Irrsinn kaum mitmacht, sondern sehr elegant gestaltet ist. Die Frage ist immer, ob man es mit Charme versucht und es dem Publikum erlaubt, entspannt zu bleiben, oder ob man den Comedy-Faktor aufgreift und auf die Spitze treibt. Ich kämpfe bei jedem Film in jeder Szene mit dieser Frage.

Eine absolute Antwort darauf gibt es nicht. Bei einigen Filmen habe ich das Gefühl, dass die Musik übertrieben ist und mich wahnsinnig macht. Das ist dann, wie ich es nenne, übermoduliert. Bei animierten Filmen kommt dazu, dass der Temp-Score sehr früh eingesetzt wird, nämlich schon, bevor der Film überhaupt gemacht wird. Sie schneiden die Storyboards auf Basis des Temp-Scores zusammen. Das kann schon drei Jahre vor dem Kinostart passieren. Sie schneiden die Storyboards, bauen Temp-Stimmen von Temp-Schauspielern ein, von Mitarbeitern oder auch vom Regisseur. Dann nehmen sie die fertigen Stimmen auf, und dann wird der Film produziert.

Aber am Anfang arbeiten sie eben nur mit diesen zusammengeschnittenen Storyboards, weil solche Filme generell nicht leicht zu handlen sind, weshalb sie so früh wie möglich eine frühe Fassung davon sehen wollen, um zu wissen, ob die Geschichte in die richtige Richtung geht. Da kommt dann die Temp-Musik ins Spiel, und die ist häufig sehr übertrieben, weil ja deutlich werden soll, was in den Zeichnungen geschieht. Wenn die endgültigen Schauspieler ihren Teil beigetragen haben, muss die Musik dann nicht mehr ganz so übertrieben sein, vor allem, wenn es um Musik geht, die einem quasi das Gefühl, das man gerade empfinden soll, mit dem Holzhammer verabreicht. Es nervt einfach, wenn einem Gefühle aufgezwungen werden. Wenn etwas nicht witzig ist und die Musik es witzig zu machen versucht, merken die Leute das doch. Und ja, ich bin mir sicher, dass auch ich das hier und da mache, also sowohl zu übertreiben, als auch mich zu sehr zurückzuhalten.

Alles richtig gemacht haben Sie hingegen bei Drachenzähmen leicht gemacht, und das gleich zweimal: Beim ersten Mal wurden Sie sogar für den Oscar nominiert. War das ein entscheidender Karrieremoment für Sie?

Mal so sagen, ich hatte mich damals damit abgefunden, nie einen „Oscar-Film” zu machen. Ich arbeitete immer an Filmen, die in der Beziehung keine zu große Aufmerksamkeit auf sich zogen. Ich wollte immer mit Filmen zu tun haben, die sich Leute auch in 50 Jahren noch ansehen. Die Oscar-Frage ist insofern pikant: Man kann seine Karriere auf solche Filme ausrichten und bewusst danach suchen, und ja, auch ich habe das hin und wieder gemacht. In jedem Fall habe ich es sofort bedauert, weil es langweilig und ermüdend ist. Ich habe versucht, für Filme Musik zu schreiben, an denen ich Spaß habe, damit ich auch Musik schreiben kann, die mir gefällt. Drachenzähmen leicht gemacht war ein Fall, wo der Film auch ohne mich schon richtig schön war.

Wenn der Blick in die Oscar-Geschichte eines lehrt, dann dass man für einen Oscar-Film wirklich schlechte Musik schreiben kann. Natürlich kann man sagen, dass diese beschissene Musik für den Film genau richtig ist. Ich schreibe nur ungern beschissene Musik. Musik für einen Film zu komponieren, kann leicht anstrengend werden, wenn man eintönigen Pampf schreiben muss. Ich wollte immer Musik machen, die Integrität hat.

Der erste Drachenzähmen leicht gemacht war mein erster Film für DreamWorks, bei dem ich keinen Flügelmann hatte. Vorher hatte ich immer mit Hans oder Harry oder jemand anderem gearbeitet. Jetzt konnte ich mal zeigen, dass ich ein großer Junge war. [lacht] Ein wirklich guter Film gibt einem in diesem Fall alles, was man braucht, um loszulegen. Ich weiß noch, wie ich zum erste Mal Shrek sah und dachte, „wow, da hab ich ja nicht viel zu tun, es ist ja schon alles da”.

Ich finde es wichtig, dass die Branche jedes Jahr zusammenkommt und Arbeiten bewertet, um künstlerische Leistungen zu belohnen. Ich finde es allgemein nur nicht toll, wenn man dabei übertrieben anspruchsvoll ist. Meine Lieblingsfilme sind durch die Bank weg keine Kunstfilme. Ich habe Citizen Kane noch nie durchgehalten, ohne einzuschlafen, und für mich ist Ein Schweinchen namens Babe ohne Zweifel einer der besten Filme aller Zeiten. Mondsüchtig ist auch so ein Fall. Ich bin wirklich kein Cineast. Ich mag manche Arten von Filmen und gebe das auch nicht auf, weil sie emotional für mich perfekt funktionieren. Ich habe die dreieinhalb Stunden von Kurosawas Ran durchgehalten, aber viel über Filme weiß ich trotzdem nicht.

Ich denke, ich mag einfach Filme, die für mich funktionieren, und nur weil ein Film intellektuell anspruchsvoll daherkommt, macht ihn das für mich nicht automatisch interessant.

Jerry Goldsmith hat einmal gesagt, das Orchester sollte immer das Zentrum des Ensembles bilden. In Ihrer Musik findet sich eine dynamische Mischung aus Orchester, Schlagzeug und elektronischer Musik. Welche Rolle spielt das Orchester für Sie?

Ich liebe Jerry Goldsmiths Musik, aber in der Hinsicht stimme ich ihm nicht zu. Man muss wissen, dass er einer sehr strengen Traditionslinie entstammte, die auf Ravel und Debussy zurückgeht, und er verstand außerordentlich viel von Komposition, musikalischer Integrität und Instrumentation. Er konnte seine Herangehensweise für Filme anpassen und hatte ein phantastisches Gefühl für das filmische Erzählen.

Viele Filme, die mir sehr gut gefielen, haben kein Orchester eingesetzt. Für mich steckt im ersten Album, das Aretha Franklin für Atlantic Records machte, genau so viel Kunst wie in Beethovens 5. Symphonie. Für mich gibt es da keinen Unterschied. Verschiedene Arten von Musik können gleiche Emotionen wecken, das Gefühl von Transzendenz.

Wenn man sich beispielsweise Ry Cooders Musik für Paris, Texas anhört, hört man dort nur eine Slide-Gitarre. Ebenso toll fand ich Gustavo Santaolallas Musik für Brokeback Mountain. Man kann auf viele Arten an Filme herangehen. Wir leben in einer postmodernen Epoche, in der man einerseits dem Zeitgeschmack und andererseits dem Geschmack in 15 Jahren huldigen muss. Die größte Gefahr ist eigentlich, dass sich Musik mit der Zeit altmodisch anhört.

Nehmen wir da nur Filme aus den 80ern, bei denen man das Jahr praktisch heraushören kann. Und dann haben wir zur gleichen Zeit Arbeiten von John Williams, bei denen das überhaupt nicht der Fall ist. Er setzt immer ein Orchester ein, weil es zeitlos ist. Das ist das Schöne an der Arbeit mit einem Orchester: Man kann unglaublich zeitlos sein. Andererseits verpasst aber vielleicht auch die Gelegenheit, eine andere musikalische Sprache zu sprechen.

2014 haben Sie in einem Interview gesagt, Sie bedauerten die Menge an Actionmusik, die aus Hollywood kommt. Wie schwierig ist es, Filme zu finden, die keine solche Musik benötigen?

Tja... Ich hatte Glück. Ich habe immer Arbeit gehabt und muss mir nie wieder Sorgen ums Geld machen. Ich war bei Im Körper des Feindes hin- und hergerissen, ob der Film zu gewalttätig ist. Die Heroisierung von Kriegern behagt mir nicht, diese Vorstellung, dass die Lösung darin besteht, dass der Stärkste gegen alle anderen kämpft. Heldentum hat die verschiedensten Gesichter. Der beste Kämpfer zu sein, ist nur eines davon.

Was ich gefährlich finde, ist, Gewalt akzeptabel erscheinen zu lassen. Ich habe dabei kein Problem mit Tarantino-Filmen, sondern mit Fernsehserien. Im A-Team feuern Leute endlose Salven aufeinander ab. Es wird nie gezeigt, was das realistische Ergebnis davon wäre.

Ich finde die Indoktrinierung in Hollywood sehr interessant: Ohne Autoren hätte keiner von uns Arbeit, das sollte ich vorausschicken. Aber diesen Autoren muss endlich klarwerden, dass sie sich ein paar neue verdammte Tricks einfallen lassen müssen. Es ist einfach nicht in Ordnung, dass jedesmal, wenn die Geschichte einen Schritt weitergehen soll, eine Folterszene anläuft. Das passiert andauernd, es ist inzwischen quasi die Standard-Methode, Hintergrundinformationen in einem Film zu präsentieren. Und es ist unfassbar lahm. Viel von der Gewalt in Filmen ist das Ergebnis von diesem Formeldenken: Ich habe Wonderwoman noch nicht gesehen, aber ich hoffe, dass sie ausnahmweise mal nicht nur wild um sich schlägt, sondern Mitgefühl zeigt und Leute mit Logik, Vernunft und Einfühlungsvermögen behandelt.

Genau das tut sie tatsächlich.

Sehr gut, wir brauchen solche Filme!

Wenn ihr Powell einmal über die Schultern blicken wollt, könnt ihr auch das haben: Auf Youtube könnt ihr 30 Minuten mit ihm verbringen.

In Hollywood wurden gestern abend die Emmy-Nominierungen bekanntgegeben. Die Star-Wars-Familie ist diesmal u.a. wie folgt vertreten:

• Bester Schauspieler (Komödie): Donald Glover für Atlanta
• Bester Schauspieler in einer limitierten Serie: Riz Ahmed für The Night Of; Ewan McGregor für Fargo
• Bester Nebendarsteller in einer Dramaserie: John Lithgow (Yoda im Radio-Drama) für The Crown
• Beste Nebendarstellerin in einer limitierten Serie oder einem Film: Laura Dern für Big Little Lies
• Beste Regie einer Comedyserie: Donald Glover für Atlanta
• Beste Regie einer limitierten Serie, eines Films oder Drama-Specials: Ron Howard für Genius
• Bestes Drehbuch für eine Comedyserie: Donald Glover (und sein Bruder Stephen) für Atlanta
• Bester Gastdarsteller in einer Comedyserie: Riz Ahmed für Girls — All I Ever Wanted
• Bester Gastdarsteller in einer Dramaserie: Ben Mendelsohn für Bloodline — Part 32
• Beste Gastdarstellerin in einer Comedyserie: Carrie Fisher für Catastrophe — Episode 6
• Beste Sprecherleistung: Dee Bradley Baker für American Dad!
• Bester Schauspieler in einer Kurzcomedy- oder -dramaserie: Alan Tudyk für Comic Man
• Bester Erzähler: Ewan McGregor für Wild Scotland
• Beste Kurz-Variety-Serie: The Star Wars Show
• Beste Kindersendung: Star Wars Rebels
• Beste Dokumentation: Alexis Bloom, Fisher Stevens, Sheila Nevins, Brett Ratner & Nancy Abraham für Bright Lights: Carrie Fisher and Debbie Reynolds

Die komplette Liste aller Nominierungen findet ihr auf Emmys.com.

Vergeben werden die Emmys am 17. September in Los Angeles. Danke an Dennis für den Hinweis.

Üblicherweise kommt es sehr selten vor, dass Star Wars-Union den Job einer Fernsehzeitschrift übernimmt. Aber aus gegebenem Anlass machen wir mal eine Ausnahme. Am kommendem Donnerstag, dem 13. Juli, feiert unser liebster Schmuggler, Wookieetreiber, Abenteuerer und Replikantenjäger seinen 75. Geburtstag.
Grund genug für den Sender Kabel 1 am morgigen Mittwoch - neben mehreren Filmen mit Ford in der Hauptrolle - um 22.35 Uhr eine einstündige Dokumentation unter dem Titel Die Harrison Ford Story über das Leben und das künstlerische Wirken des Weltstars auszustrahlen.

Macht euch also einen Knoten ins Ohr, und verfolgt nochmal seine Karriere von seinen ersten Gehversuchen in diversen TV-Serien, bis hin zu seiner Rückkehr als Han Solo in einer Galaxis, weit, weit entfernt...

Die Academy Awards sind längst vergeben, doch nicht alle Filmakademien waren so schnell: Die für Science-Fiction-, Fantasy- und Horror-Filme hat ihre Preise, die Saturn Awards, erst vergangene Nacht unters Volk gebracht, und auch für Star Wars gab es dabei eine Reihe von Trophäen.

Nominiert waren hier rund um Rogue One - A Star Wars Story der Film selbst als bester Science-Fiction-Film, Felicity Jones als beste Hauptdarstellerin, Diego Luna als bester Nebendarsteller, Gareth Edwards als bester Regisseur, Chris Weitz und Tony Gilroy für das beste Drehbuch, David Crossman und Glyn Dillon für das beste Kostümdesign, John Gilroy, Colin Coudie und Jabez Olssen für den besten Filmschnitt, John Knoll, Mohen Leo, Hal T. Hickel und Neil Corbould für die besten Spezialeffekte, Michael Giacchino für die beste Musik, Doug Chiang und Neil Lamont für das beste Design und Amy Byrne für die beste Maske.

Eine weitere Nominierung heimste Star Wars Rebels ein, die nämlich für das beste animierte Programm (Film oder Fernsehen).

Und der Saturn-Award ging an...

• Rogue One als bester Science-Fiction-Film
• Gareth Edwards als bester Regisseur
• John Knoll, Mohen Leo, Hal Hickel und Neil Corbould für die besten Spezialeffekte
• Star Wars Rebels als bestes animiertes Programm (Film oder Fernsehen)

Felicity Jones unterlag hingegen Mary Eizabeth Winstead für 10 Cloverfield Lane, Diego Luna John Goodman ebenfalls für 10 Cloverfield Lane. Der Drehbuchpreis ging an Eric Heisserer für Arrival, die besten Kostüme sah die Akademie bei Colleen Atwood und Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind. Beim Schnitt triumphierte Steven Spielbergs Haus- und Hofcutter Michael Kahn (BFG – Big Friendly Giant), für die beste Musik wurde Justin Hurwitz für La La Land ausgezeichnet. Beim besten Design hatte ein Star-Wars-Veteran die Nase vorn: Rick Carter gewann zusammen mit Robert Stromberg für BFG – Big Friendly Giant. Der Preis für die beste Maske ging an das andere Sternen-Franchise: Monica Huppert und Joel Harlow gewannen für Star Trek Beyond.

Einige Eindrücke der Preisverleihung gibt es via Twitter:

Endlich einmal gute Nachrichten für George Lucas: Knapp 6 Monate nach Bekanntgabe seiner Absicht, sein Museum in Los Angeles zu bauen (wir berichteten hier), sind die letzten Hürden aus dem Weg geräumt. Der Stadtrat von Los Angeles entschied sich einstimmig für das Projekt von Lucas und seiner Frau Mellody Hobson.

Die LA Times zitiert Lucas mit den Worten:

Für eine kurze Zeit bin ich hier großgeworden. Hier habe ich Filme kennengelernt. Hier habe ich mein Handwerk erlernt. Meine Karriere habe ich faktisch an der Uni hier begonnen.

Ein Stadtrat, zu dessen Wahlkreis das für das Museum vorgesehene Gelände im sogenannten Exposition Park gehört, erklärte:

Dies ist das größte Geschenk eines Privatmanns in der Geschichte unserer Stadt, unseres Bundesstaats und unseres Landes.

Insgesamt will Lucas ca. 1,4 Mrd. US-Dollar in das Projekt investieren, 1 Mrd. in das Museum, 400 Mio. in eine Stiftung.

Der erste Spatenstich könnte noch in diesem Jahr über die Bühne gehen. Einen offiziellen Eröffnungstermin gibt es noch nicht, orakelt wird aber ein Start des Museums im Jahr 2021.

Nach den eher unschönen Neuigkeiten der letzten Tage wurde es mal wieder Zeit für etwas Erfreulicheres, und die Seite Star Wars Reporter liefert promt Entsprechendes.

Bei der Verkündung vor ein paar Stunden wurde enthüllt, dass Mark Hamill den begehrten Stern auf der berühmten Hollywood-Attraktion erhält.

Mark steht auf der Liste in der Kategorie Film, die ebenso seine Kollegen Jack Black, Kirsten Dunst, F. Gary Gray, Jeff Goldblum, Jennifer Lawrence, Gina Lollobrigida, Minnie Mouse, Nick Nolte und Zoe Saldana beinhaltet..

Die Ankündigung gibt es auch in Bild und Ton.

Wir meinen: Hoch verdient und längst überfällig. Gückwunsch, Mark.

Besten Dank an Florian für den Hinweis.

Knapp ein halbes Jahr ist es inzwischen her, dass wir über den plötzlichen Tod unserer Lieblingsprinzessin Carrie Fisher berichten mussten. Nun gibt es neue Erkenntnisse von Seiten der Gerichtsmedizin über die näheren Umstände. Hieß es zu Anfang noch, dass sie an einem Herzinfarkt verstorben sei, kommen jetzt weitere Punkte hinzu. So führte u.a. eine Schlafapnoe - eine Atemstörung, bei der in der Nacht der Atem aussetzt - sowie weitere Ursachen zu ihrem Ableben.

Ebenso wurden eine Herzerkrankung und die Einnahme verschiedener Drogen/Medikamente diagnostiziert. Welcher dieser Faktoren letztlich zu ihrem Tod führte, konnten die Ermittler allerdings bis zum jetzigen Zeitpunkt nicht feststellen, weswegen die genaue Todesursache weiterhin als unbestimmt gilt.

Carries Tochter Billie Lourd äußerte sich gegenüber dem People Magazine folgendermaßen:

Meine Mutter kämpfte ihr ganzes Leben gegen Drogensucht und psychische Erkrankungen. Letztlich ist sie daran gestorben. Sie ging immer sehr offen mit dieser Krankheit um, und mit dem sozialen Stigmata, welches diese Erkrankung umgibt.

Sie sprach über die Scham, die die Menschen und ihre Familien quält, wenn sie mit diesen Krankheiten konfrontiert werden. Ich kannte meine Mutter, sie wollte, dass ihr Tod den Menschen den Mut gibt, sich ihren Kämpfen offen entgegenzustellen. Suche Hilfe, kämpfe für die Unterstützung der Regierung für Programme gegen psychische Instabilität. Scham und soziales Brandmarken sind die Feinde des Fortschritts auf dem Weg zu einer endgültigen Heilung. Ich liebe dich, Momby.

Carrie, du fehlst...

Vielen Dank an Rieekan78 für den Hinweis.

Margaret Towner ist tot. Die Bühnen- und Filmschauspielerin, die sich als Jira in Star Wars - Die Dunkle Bedrohung ein Denkmal setzte, starb bereits am 10. April im Alter von 96 Jahren.

Margaret Towner wurde am 1. Oktober 1920 in Rio de Janeiro geboren. Margaret lebte bis zu ihrem 5. Lebensjahr in Rio de Janeiro und kehrte dann mit ihren Eltern nach Southhampton in England zurück. 1938 schrieb sie sich an der Royal Academy of Dramatic Art (RADA) ein. Sie hatte jedoch anfänglich Probleme Theaterrollen zu finden, spielte jedoch auch kleinere Rollen im Britischen Film während der 30er und 40er Jahre.
Ihre erste größere Theaterrolle war ihre Beteiligung an der Wanderproduktion "The Bare Idea", einem von Gordon Sherry geschriebenen Theaterstück über ein Nudistencamp. Mit diesem Stück tourte sie bis 1940, als die nächtlichen Bomberangriffe der deutschen Luftwafffe auf Southhampton eine Fortführung zu gefährlich machten und das Stück abgesetzt wurde. Sie schloss sich daraufhin der Produktion "The Amazing Dr. Clitterhouse" der Enterainments National Service Association an, bei der sie auch ihren späteren Ehemann Raymond Francis kennenlernte. Sie heirateten und hatten gemeinsam drei Kinder. Margaret pausierte daraufhin, wohl nicht ganz freiwillig, ihre Arbeit als Schauspielerin für mehr als 30 Jahre, um die Rolle der Mutter und Hausfrau zu übernehmen.
Erst nach dem Tod ihres Ehemanns 1987, wendete sie sich wieder der Schauspielerei zu. So spielte sie Rollen in diversen Fernsehserien, wie beispielsweise der beliebten Seifenoper "Doctors", "Little Britain" oder auch 2014, mit 93 Jahren, in Ricky Gervaises Serie "Derek".
Wir Star Wars - Fans kennen sie aber natürlich für ihre Rolle als Jira aus Die Dunkle Bedrohung, in der sie als Marktverkäuferin mit dem jungen Anakin Skywalker befreundet ist und ihn vor einem kommenden Sandsturm warnt. Wie der Nachruf ihrer Tochter zeigt, war sie sich der Popularität von Star Wars vor ihrem Treffen mit George Lucas gar nicht bewusst, freute sich aber über die positiven Reaktionen auf ihre kleine Rolle, besonders über die ihrer Enkelkinder. Aber auch die Fans schlossen sie direkt in ihr Herz und wurden scheinbar auch nicht müde, sie noch bis kurz vor ihrem Tod in ihrem Haus in Twickenham zu besuchen.

Margaret Towner als Jira in Die Dunkle Bedrohung